OXYTON, Christophe Havel

OXYTON

OXYTON ha sido (y, en mi opinión, es y será) un referente del repertorio para saxofón barítono. Por esto decidí incluirla en BELIEVER, mi primer disco en solitario, y era obligatorio hablar detalladamente de ella en algún momento en el blog de mi página web.

CHRISTOPHE HAVEL (Francia, 1956), saxofonista de formación musical, lleva una actividad intensa como artista y pedagogo. Actualmente es profesor de composición de música electroacústica en el CRR de Burdeos (Francia) y en la ESMUC de Barcelona y es miembro, como ingeniero de sonido y compositor, del prestigioso grupo francés de música contemporánea Proxima Centauri.

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Significado y estructura de la obra

Grito múltiple que poco a poco se oxida y se desmaterializa. Sus resonancias aceradas, al dulce perfume del ácido, convergen hacia el infinito de la inmovilidad (Christophe Havel)

OXYTON, para saxofón barítono solo, fue escrita en 1991 y está dedicada a Marie-Bernadette Charrier, saxofonista de música contemporánea reconocida en todo el mundo y pareja del compositor. La obra se editó en 1993 en P. J. Tonger Musikverlag en Köln-Rodenkirchen (Alemania).

Aunque se trata de una obra para instrumento solo, se nota claramente la influencia de la música electrónica en el trato de las texturas sonoras del saxofón barítono, como en los diferentes multifónicos, los fragmentos en flatterzunges (texturas granulares), los cambios de vibratos y oscilaciones o en los finales secos de las notas.

OXYTON es una obra de grandes contrastes. Lo vemos enseguida, por ejemplo, en sus elementos compositivos más básicos, representados por un acorde (multifónico) ácido y metálico y, por otro lado, por un motivo melódico muy rápido y muy articulado de tres notas que evolucionarán, cada uno independientemente, a lo largo de toda la obra. O también, por ejemplo, en su carácter, que va desde momentos de máxima agitación hasta momentos de calma profunda. Todos estos contrastes aparecen frecuentemente de una manera súbita.

OXYTON está estructurada en diversas secciones que se interpretan ininterrumpidamente. Yo veo estas partes: 

  1. Introducción (pág. 4, 4 primeros pentagramas), con la exposición de los dos elementos principales de la obra en el 1r pentagrama. La pulsación es diferente para cada elemento: los multifónicos se indican en segundos y a (negra = 72), siempre en dinámicas en fuerte, y los motivos cortos y rápidos en semicorcheas a (= 116) y siempre en dinámicas en pianissimo. La impresión rítmica que nos da esta sección es casi estática.
  2. Allegro (desde el 5º pentagrama de la pág. 4 hasta el principio del 4º pentagrama de la pág. 7): desarrollo de los motivos expuestos anteriormente a una pulsación estable de (=116) (excepto algunos multifónicos, que se expresan en segundos), que fluctúa cada vez más conforme se acaba la sección. Aparecen motivos melódicos breves de figuraciones lentas que se intercalan entre los acordes y los motivos rápidos, incrementando la sensación de inestabilidad rítmica y los contrastes entre los diferentes elementos. En el principio de esta sección, predominan los motivos armónicos que se van suplantando progresivamente por la mayor presencia y duración de los motivos rápidos picados.
  3. Agitato (desde el 4º pentagrama de la pág. 7 al 2º pentagrama de la pág. 8): es una parte melódica en el registro sobreagudo del instrumento con muchos contrastes de dinámicas, glissandi, portamenti, accellerandi, 1/4 de tono y oscilaciones de vibrato que le otorgan una gran fuerza expresiva.
  4. Lento (desde el 2º pentagrama de la pág. 8 al final de la pág. 9): la primera parte de esta sección contiene parte del material melódico del Agitato a una velocidad mucho más lenta (= 44). A pesar de los cambios y contrastes dinámicos, esta parte especula con los timbres e intervalos amplios en microtonía. La segunda parte de la sección es puramente microtonal, un poco más rápida (= 66, con accellerandi progresivos) y mayoritariamente en piano. La rítmica de grupos irregulares, junto con los accellerandi y los crescendi, nos sugiere una improvisación de carácter arabesca.
  5. Final (págs. 10 y 11): vuelven a adquirir protagonismo los multifónicos, predominan las articulaciones en slap y encontramos muchos cambios bruscos de dinámicas entre notas seguidas. El dinamismo del inicio de la sección se diluye progresivamente mientras aparecen notas cada vez más largas y silencios que adquirirán más protagonismo hacia el final de la obra. Al mismo tiempo, el discurso musical tiende hacia el contraste en los registros: cada vez va más hacia el extremo del registro sobreagudo (en el último pentagrama aparece un trino de SIb6-DOb7 escrito en pp, dim. al niente) y hacia el registro grave en pp (aquel trino viene precedido de un LA2 de 9 segundos de duración).

Mira el vídeo:

Cómo abordar el trabajo técnico

OXYTON es una obra de una gran dificultad sobre todo por el control de sus elementos técnicos: cambios extremos de registros, afinación del registro sobreagudo, contrastes súbitos de dinámicas, emisión en ppp de notas del registro grave, precisión en la producción de multifónicos, etc.

Yo recomendaría hacer, desde el principio, un trabajo técnico muy detallado y por partes:

  • registro grave del instrumento en dinámicas en piano (desde mp hasta pppp y subtones)
  • registro sobreagudo del instrumento en todas las dinámicas (desde pppp a ffff), notas y pasajes
  • trabajo de todos los multifónicos haciendo salir cada nota del acorde, también en diferentes dinámicas (puedes buscar también digitaciones de corrección o alternativas)
  • trabajo lento de los diferentes motivos rápidos, buscando la claridad de los pasajes y que se noten bien los acentos, portamenti, flatterzunge y ruidos de llaves
  • agrupar y trabajar todas las partes de un mismo tempo para adquirir una pulsación estable y, a la vez, bien diferenciada de las otras partes con otros tempos
  • agrupar y trabajar las notas y secciones de un mismo matiz para adquirir un rango dinámico más homogéneo y, al mismo tiempo, bien definido cuando los toques con otras notas o partes
  • buscar la afinación más aproximada posible con las llaves C para las notas de la pág. 9
  • trabajar muy bien los enlaces de las notas de los intervalos grandes (hay muchos de más de 2 octavas) y, en especial, aquellos que además tienen cambios de dinámicas en cada nota

Una vez tengas controlados estos aspectos, empieza a enlazar los diferentes motivos de cada parte o sección para dar continuidad al discurso sonoro.

Como pasa con las grandes obras de repertorio de cualquier otro instrumento, un trabajo minucioso de OXYTON te ayudará a conseguir un gran dominio técnico del saxofón barítono. Y, con el paso del tiempo, cuando retomes esta obra, te darás cuenta que, además de haber reforzado tu técnica, también habrás madurado sus aspectos interpretativos.

Cómo abordar el trabajo interpretativo

Sin lugar a dudas, esta es la parte más interesante de todo el proceso de trabajo, una vez resueltas las cuestiones técnicas de la obra.

El principal inconveniente que te encuentras cuando tocas OXYTON es la fatiga física y mental. Aunque no es una obra excesivamente larga, requiere mucha concentración durante los aproximadamente 9 minutos que dura. Es muy importante respirar bien a lo largo de toda la obra, integrar bien las respiraciones y los silencios dentro del discurso musical y tocar con mucha energía, también en las secciones lentas y contemplativas.

Tanto en la Introducción como en el Allegro es muy importante que haya un contraste muy grande entre la parte vertical (multifónicos) y la horizontal (motivos melódicos): la parte horizontal tiene que ser muy dinámica rítmicamente (es muy importante marcar bien los acentos y los ruidos de llaves) en todos los matices (pppp a fff) y la parte vertical lo más estática posible (aunque aparecen indicaciones rítmicas para cambiar el color de algunos multifónicos). El mismo Christophe Havel me sugirió en una sesión de trabajo de OXYTON que no me moviera en la ejecución de los multifónicos, especialmente en los de las págs. 5 y 6, per reforzar aún más este contraste de una manera visual.

La sección Agitato me gusta tocarla produciendo ansiedad. Por esto, no amplío demasiado los valores largos, hago contrastes bruscos de matices, lo toco todo muy rápidamente (casi con precipitación) y así lo enlazo con el tempo de los últimos grupos de notas de la sección anterior. El único momento que toco calmado y lento es justo en el medio de esta sección, para exagerar más los contrastes de carácter.

Yo pienso el Lento de una manera estática, recreándome en los diferentes colores de sonido que se producen con los 1/4 de tono, los fratterzunge, los portamenti y haciendo surgir las notas de los multifónicos por separado. La notación rítmica inestable de la página 9 me sugiere frasear como si estuviera tocando una improvisación.

En el Final me gusta ir al límite con los matices y los slaps, buscando resquebrajar el sonido para exagerar al máximo el contraste con las notas largas en subtone del registro grave. Al final de todo, alargo según convenga la duración de estas notas y la de los silencios (siempre bien integrados en el discurso musical), para llevar la obra “hacia el infinito de la inmovilidad”.

Comentario revisado por Christophe Havel

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